作品Ⅴ号

　　我们生来就处在一个带有太多未知的世界里，人类从古至今都试图在各个领域探索时间与空间，了解更多未知的同时逐渐明确自身价值。而创作绘画、音乐这些具有超越时间空间的永恒性的艺术，则是一种很好的挖掘自我、探索未知的途径。于我而言绘画就是利用那些二维平面来实现更多可能性。手持画笔面对一张空画布，思考会带领我冲破“束缚”，我不在意眼前这个作品所谓的“结局”如何，相反过程更是重要、精彩的，这是针对艺术家个体而言。观看者往往只能看到的作品“一部分”，即作品最后的呈现形态。 既定的中国美术高考模式让我们妥协于一种“套路式”的绘画，在进入大学本科的学习初期，教授们费九牛二虎之力希望我们挣脱这种束缚与长期形成的对绘画评判的标准。绘画从诞生的那天起，就一直随人类文明的变化而变化着：从巫术祭祀的图腾到传递宗教的宣传、从自身情感的宣泄到个人观念的传达，它在受到摄影术发明的冲击时也同样被赋予了全新的出路。在对艺术发展史有了较为完整的认识之后，我越来越不满足于对所见部分的再现。绘画是人类的母语，小时候因年龄在认知上的局限，那种自由的涂抹所带有的生动与无意识，是历史上多少艺术大师穷尽一生绘画探索到最后试着寻回的“状态”。我尝试摆脱既有的客观物象，去除一切文学故事，尽最大程度让画面展现视觉语言的固有魅力、不掩饰地表达我对当下环境所产生的感受，同时对自己已有的绘画经验进行着挑战。 　　我个人对绘画的“笔触”十分着迷，因此我一直探索着不同的笔触叠加到一起后能成为什么？它们或许是即兴的、无逻辑的，又或许是理性的，也可能是形似文化符号的非文化符号...这种叠加是否会产生不同于传统视觉经验的美感？再看画面留下的笔触，一个“真实的”自我呈现了。曾听教授说：真诚、直觉、下意识是绘画中最需要具备的。我的作品不同程度地体现了对传统绘画模式的传承，但我更感兴趣的，是对固有模式的突破与挑战，甚至包含了一些我个人“异想天开”的布局。我喜欢尝试将一种破坏性的、不“和谐”的、非同类的元素拉进画面，让一种矛盾激活　　画面本身，并在矛盾中再次寻找“和谐”，这样的企图我至今依然在摸索。 　　不同的表现形式与多元的评判标准是艺术发展到今天的结果。从二维到三维，甚至跨学科领域的艺术作品，我们看到艺术的可能性越来越大。总有人问我为什么选择绘画、绘画的意义是什么等问题，我认为这就好比你听到一首古典交响乐，这其中并不存在文学叙事等文字描述，然而你却觉得它非常能打动你，引起你情绪化的回应。同样的道理也存在于绘画，有的时候，一种感受无法用任何语言能恰到好处的表达，这个时候，绘画也许可以。丰子恺曾说绘画“无用”，但此“无用”乃“大用”，我理解的就是他强调绘画无形的力量，一种无法量化的意义。这也是为什么即便尖端科技已有如此高的成果的今日，绘画仍能存在的原因。 　　艺术家每天都在有限的工作室空间内探索无限，有位艺术家在一次讲座中阐明观点，他认为美术学院的老师是无法真正教你画画的，老师的意义是：因为他，你才有机会来到美术学院，开始做自己的独立思考，用绘画、雕塑和影像等方式。我非常同意他的看法，绘画是一件十分个人化的事情，不同的观看与思维方式是绘画呈现多样面貌与维持活力的条件。绘画更是人类本能的表达，如今艺术要解决的问题已经远远跨越单一的美学范畴，对固有认知的挑战是维持绘画乃至艺术以外的领域前进的动力，新的思想观念难能可贵，就像有人说，思想的影响如一滴朱水流入一瓶清水，改变的不仅仅是水的颜色，还有分子结构。